МОГЛИ БЫ, НО НЕ
#ЖИВОПИСЬ
ЦИФРОВОЕ ИСКУССТВО
Если проследить историю развития цифрового изобразительного искусства с самого начала, то легко заметить, что программисты часто становились художниками, а художники учились программировать, и только в последние годы благодаря распространению компьютерных технологий традиционные художники вернули себе территорию цифрового искусства, первоначально освоенную программистами-художниками.
Одним из таких художников является Айкат Айдогду – мастер цифровой живописи и волшебник нашего времени.
Биография маэстро окутана тайной, но это и к лучшему, ведь за любого творца должны говорить, в первую очередь, его работы.
Айкат Айдогду в своих ни на что не похожих цифровых полотнах использует стилистику сюрреализма, с помощью которой и передаёт спектр своих идей.
Изображаемые им образы представлены в символико-фантастическом виде, благодаря чему наблюдатель постепенно окунается в атмосферу мистически приятного чувства.
Биография маэстро окутана тайной, но это и к лучшему, ведь за любого творца должны говорить, в первую очередь, его работы.
Айкат Айдогду в своих ни на что не похожих цифровых полотнах использует стилистику сюрреализма, с помощью которой и передаёт спектр своих идей.
Изображаемые им образы представлены в символико-фантастическом виде, благодаря чему наблюдатель постепенно окунается в атмосферу мистически приятного чувства.
Его образы, как и подобает символизму, не явны, но вполне угадываемы. И, в отличие от полотен сюрреалистов-классиков, его работы лишены психоделики. Исключительное наслаждение.
Также работы Айката отличаются большим разнообразием: в его копилке – иллюстрации к фильмам, мультфильмам, комиксам, портреты и просто зарисовки в присущем ему стиле. И, судя по его галлерее, особенное место он уделяет изображению женской красоты, цветам, переплетающимся в сюжетах порой гротескно, как на картине, где девушка получает удар по лицу этими самыми цветами... С другой стороны, все странные элементы превращают иллюстрации в ребусы, которые постоянно хочется разгадывать.
Но к чему долгая преамбула? Наслаждайтесь.
Автор текста: Ольга Ходеева
Также работы Айката отличаются большим разнообразием: в его копилке – иллюстрации к фильмам, мультфильмам, комиксам, портреты и просто зарисовки в присущем ему стиле. И, судя по его галлерее, особенное место он уделяет изображению женской красоты, цветам, переплетающимся в сюжетах порой гротескно, как на картине, где девушка получает удар по лицу этими самыми цветами... С другой стороны, все странные элементы превращают иллюстрации в ребусы, которые постоянно хочется разгадывать.
Но к чему долгая преамбула? Наслаждайтесь.
Автор текста: Ольга Ходеева
ИСКУССТВО ВЫЗОВА
С недавних пор уличные рисунки уже не воспринимаются как вандализм или хулиганство. Стрит-арт – это искусство вызова, выражение протеста или своей позиции. Один из представителей этого направления – Андрей Маляр (настоящую фамилию он держит в секрете). Работы Андрея можно увидеть на странице в Инстаграме: @new_art_cerw.
Андрею 22 года, родился в Москве и в данный момент учится на реставратора в колледже. Рисует он с 14 лет, начинал с различных надписей и фраз.
Андрею 22 года, родился в Москве и в данный момент учится на реставратора в колледже. Рисует он с 14 лет, начинал с различных надписей и фраз.
Андрей, есть ли разница между стрит-артом и принятом в обществе понятием – граффити?
Различие, на самом деле, очень простое: стрит-арт – это уличное искусство, которое продаётся. Граффити делается на чистом энтузиазме, то есть человек сам покупает баллончики, разрабатывает эскиз, ищет место, где нарисовать свой рисунок, делает он его очень быстро в связи с тем, что это нелегально.
Ты уже попадался на этом?
Да, было дело. Двое суток провёл в неволе за своё стремление творить. (смеётся)
Можешь перечислить основные сложности, с которыми сталкивается уличный художник (помимо того, что это нелегально)?
Ну, основные сложности стрит-арта – это, скорее всего, заказчики, которые не могут высказать свою мысль. Никогда точно не знаешь, чего они хотят. (смеётся)
От кого поступает больше заказов?
В основном поступают заказы от кафешек, всяческих фирм – преимущественно строительных, но иногда дизайнерских.
Различие, на самом деле, очень простое: стрит-арт – это уличное искусство, которое продаётся. Граффити делается на чистом энтузиазме, то есть человек сам покупает баллончики, разрабатывает эскиз, ищет место, где нарисовать свой рисунок, делает он его очень быстро в связи с тем, что это нелегально.
Ты уже попадался на этом?
Да, было дело. Двое суток провёл в неволе за своё стремление творить. (смеётся)
Можешь перечислить основные сложности, с которыми сталкивается уличный художник (помимо того, что это нелегально)?
Ну, основные сложности стрит-арта – это, скорее всего, заказчики, которые не могут высказать свою мысль. Никогда точно не знаешь, чего они хотят. (смеётся)
От кого поступает больше заказов?
В основном поступают заказы от кафешек, всяческих фирм – преимущественно строительных, но иногда дизайнерских.
Чьими работами в своём направлении ты восхищаешься?
Мой кумир – Покрас Лампас. Его росписи с каллиграфией я всегда узнаю.
Что ты выражаешь в своих рисунках?
Я выражаю свои эмоции, выплёскиваю весь негатив на стену. Также стараюсь привнести в наш город больше красок, сделать его позитивным.
Твоя любимая работа?
В последнее время мне безумно понравилось рисовать гейш. Передавать их красоту, утончённость.
Как ты сам оцениваешь свои работы?
Я достаточно самокритичный человек и, порой, мои работы совершенно мне не нравятся.
На твой взгляд, как в нашей стране относятся к уличному искусству?
Не могу сказать за всю страну. Каждый человек, в силу своего мироощущения, сам выбирает, чем ему восхищаться. Он либо проникается этим искусством, либо просто проходит мимо.
Автор текста: Мария Рудь
Мой кумир – Покрас Лампас. Его росписи с каллиграфией я всегда узнаю.
Что ты выражаешь в своих рисунках?
Я выражаю свои эмоции, выплёскиваю весь негатив на стену. Также стараюсь привнести в наш город больше красок, сделать его позитивным.
Твоя любимая работа?
В последнее время мне безумно понравилось рисовать гейш. Передавать их красоту, утончённость.
Как ты сам оцениваешь свои работы?
Я достаточно самокритичный человек и, порой, мои работы совершенно мне не нравятся.
На твой взгляд, как в нашей стране относятся к уличному искусству?
Не могу сказать за всю страну. Каждый человек, в силу своего мироощущения, сам выбирает, чем ему восхищаться. Он либо проникается этим искусством, либо просто проходит мимо.
Автор текста: Мария Рудь
БОЛЬШЕ, ЧЕМ КОЛЛЕКЦИЯ
С 22 марта по 22 июля в ГМИИ им. А. С. Пушкина (Москва) проходит выставка «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции».
На ней представлены картины Лейденской коллекции Томаса С. Каплана и его супруги Дафны Реканати-Каплан – одного из крупнейших и наиболее значимых частных собраний голландской живописи XVII века. В экспозиции представлены 82 произведения, ни одно из которых ранее не выставлялось в России, – восемьдесят картин и два рисунка. Стоит отметить, что в России будет представлено наибольшее количество работ, чем в других музеях. В Лувре было 30 картин, в Китае – 60–65.
Для Томаса Каплана творчество Рембрандта – настоящая страсть с раннего возраста. «Главное в Рембрандте – это то, что он изменил всё. Он порвал с классической традицией, с самой концепцией того, что такое красота и к чему должны стремиться художники. Он перевернул весь ход истории искусства», – говорит Каплан.
Концепция коллекции развивалась поэтапно, что прослеживается на самой выставке, ведь при помощи картин рассказана целая история. Своё начало она берет с Лейденской школы и первого ученика Рембрандта – Герарда Доу.
Затем речь идёт о других учениках и городах: Амстердаме, картинах художников делфтской школы (Габриель Метсю и Ян Вермеер), а также утрехтской (Герард Терборх). Картины не только являются повествователями истории, благодаря им прослеживается связь между художниками и их влияние друг на друга.
На ней представлены картины Лейденской коллекции Томаса С. Каплана и его супруги Дафны Реканати-Каплан – одного из крупнейших и наиболее значимых частных собраний голландской живописи XVII века. В экспозиции представлены 82 произведения, ни одно из которых ранее не выставлялось в России, – восемьдесят картин и два рисунка. Стоит отметить, что в России будет представлено наибольшее количество работ, чем в других музеях. В Лувре было 30 картин, в Китае – 60–65.
Для Томаса Каплана творчество Рембрандта – настоящая страсть с раннего возраста. «Главное в Рембрандте – это то, что он изменил всё. Он порвал с классической традицией, с самой концепцией того, что такое красота и к чему должны стремиться художники. Он перевернул весь ход истории искусства», – говорит Каплан.
Концепция коллекции развивалась поэтапно, что прослеживается на самой выставке, ведь при помощи картин рассказана целая история. Своё начало она берет с Лейденской школы и первого ученика Рембрандта – Герарда Доу.
Затем речь идёт о других учениках и городах: Амстердаме, картинах художников делфтской школы (Габриель Метсю и Ян Вермеер), а также утрехтской (Герард Терборх). Картины не только являются повествователями истории, благодаря им прослеживается связь между художниками и их влияние друг на друга.
Стоит отметить, что на протяжении долгого времени супруги Каплан предоставляли картины музеям анонимно. «Мы не хотели становиться частью арт-мира. В коллекционировании искусства, на мой взгляд, нет ничего особенно благородного. Я не говорю, что этого надо стыдиться, но в глубине души мы не хотели это афишировать».
С течением времени изменилась и позиция, занимаемая супругами Каплан. Вместе с картинами собиралась информация об этих работах и авторах. В какой-то момент информации стало достаточно для того, чтобы поделиться ею с другими, настал момент выйти из тени.
«Самое важное, что мы можем сделать как коллекционеры, – это делиться искусством с людьми. Мы решили, что дать людям доступ к информации для нас всё-таки важнее, чем сохранять анонимность», – говорит Томас Каплан.
История Томаса Каплана – тот самый случай, когда любовь к искусству побуждает желание поделиться знаниями с другими настолько, насколько это возможно.
Автор текста: Екатерина Никишина
С течением времени изменилась и позиция, занимаемая супругами Каплан. Вместе с картинами собиралась информация об этих работах и авторах. В какой-то момент информации стало достаточно для того, чтобы поделиться ею с другими, настал момент выйти из тени.
«Самое важное, что мы можем сделать как коллекционеры, – это делиться искусством с людьми. Мы решили, что дать людям доступ к информации для нас всё-таки важнее, чем сохранять анонимность», – говорит Томас Каплан.
История Томаса Каплана – тот самый случай, когда любовь к искусству побуждает желание поделиться знаниями с другими настолько, насколько это возможно.
Автор текста: Екатерина Никишина
