Африканские дизайнеры становятся всё популярнее, и уже в этом году представили свои коллекции на неделе Моды в Москве.

Бренд ERRE достаточно молодой, но уже вполне перспективный. Все модели выполнены в чёрном цвете, но, несмотря на это, коллекция выглядит очень ярко, стильно и ультрамодно. Дизайнер продолжил идею Коко Шанель и создал потрясающие маленькие чёрные платья. Кожа, шёлк, трикотаж и шерсть – основные ткани в коллекции осень-зима 2018/19. На подиуме были представлены длинные платья с изумительным шлейфом, а также мини, подчёркивающие фигуру модели.

Строгое правило бренда ERRE: никаких аксессуаров! Только чёрные ультратонкие лодочки и ботфорты на устойчивом каблуке. Макияж выполнен в достаточно тёмных оттенках: чёрный, серый, тёмно-коричневый и графитный. Волосы собраны в пучок, чтобы не привлекать внимание. Весь акцент сделан на образе, а именно на одежде. Согласитесь, минимализм сейчас в тренде. Дебютный показ бренда ERRE в Москве прошёл на ура, и мы с нетерпением будем ждать новых коллекций от африканского дизайнера.

В рамках весенней Недели Моды в Москве так же состоялся показ африканского бренда EKTA. Экта Калан называет себя стратегическим консультантом. С самого раннего детства девушка была модельером. Она любит цвет, игру, историю, культуру и старое мастерство, своё культурное индийское наследие, которое так повлияло на неё.

Но также ценит южноафриканскую жизнь, наполненную глобальными и местными смесями опыта, благодаря которым были созданы её уникальный стиль и подпись.Бренд EKTA использует глобальные тенденции, цвета и культуру, чтобы создать бренд, представляющий историю молодости, веселья, позитивности и вибрации. Дизайнер утверждает, что у каждого предмета одежды есть история, созданная с любовью, и чувство благодарности за прошлое и мастерство.

Коллекция осень-зима 2018/19 выполнена в изумрудных, чёрных, кирпичных оттенках. Хотя на самом деле представлены почти все насыщенные цвета. Долой серость и мрачность! Только яркие и пестрые наряды! Геометрия – наше всё. Экта Калан следует модным тенденциям и создаёт новинки, которые находятся на пике популярности. В основном, это платья миди с длинным рукавами, дополненные аксессуарами. Лодочки и туфли на каблуках – обязательный атрибут всей коллекции. Аксессуары на моделях почти отсутствуют, но в этом нет ничего удивительного. Весь акцент на вышивках, узорах наряда, который полностью перетянет на себя всё внимание. Чёрный цвет – мастхэв бренда EKTA, а точнее, всех африканских дизайнеров. Прически у моделей сдержанные, лаконичные и очень простые. А вот макияж достаточно яркий и броский, но в меру.

Если вы хотите быть замеченной среди серой массы и при этом быть на вершине моды, коллекции африканских дизайнеров точно для вас. Ни одна модница не останется без внимания.

Автор текста: Анна Кувалдина

Одним из таких художников является Айкат Айдогду – мастер цифровой живописи и волшебник нашего времени.

Биография маэстро окутана тайной, но это и к лучшему, ведь за любого творца должны говорить, в первую очередь, его работы.

Айкат Айдогду в своих ни на что не похожих цифровых полотнах использует стилистику сюрреализма, с помощью которой и передаёт спектр своих идей.
Изображаемые им образы представлены в символико-фантастическом виде, благодаря чему наблюдатель постепенно окунается в атмосферу мистически приятного чувства.

Его образы, как и подобает символизму, не явны, но вполне угадываемы. И, в отличие от полотен сюрреалистов-классиков, его работы лишены психоделики. Исключительное наслаждение.

Также работы Айката отличаются большим разнообразием: в его копилке – иллюстрации к фильмам, мультфильмам, комиксам, портреты и просто зарисовки в присущем ему стиле. И, судя по его галлерее, особенное место он уделяет изображению женской красоты, цветам, переплетающимся в сюжетах порой гротескно, как на картине, где девушка получает удар по лицу этими самыми цветами... С другой стороны, все странные элементы превращают иллюстрации в ребусы, которые постоянно хочется разгадывать.
Но к чему долгая преамбула? Наслаждайтесь.

Автор текста: Ольга Ходеева

Энди Голдзуорти – скульптор, фотограф, художник английского происхождения. По признанию многих специалистов, он является одним из самых выдающихся современных скульпторов. Энди Голдзуорти причисляют к новому современному поколению скульпторов лэнд-арта. Лэнд-арт – это направление в искусстве, в котором скульпторы и художники для создания своих произведений используют элементы или конкретные объекты природного ландшафта. Зачастую такие художники проявляют очень трепетное отношение к природе и являются рьяными её защитниками.

Также Энди Голдзуорти считается родоначальником стиля балансирования камней. Этот стиль предполагает расположение природных камней в форме скульптур таким образом, при котором камни остаются неподвижными, находясь в равновесии. Для сохранения в памяти великолепных скульптур из камня автор фотографирует их. Целью творчества Энди, по его собственному признанию, является рассмотрение отношения искусства с естественной окружающей средой, природой.

Для создания своих произведений Энди использует все возможные элементы среды, в том числе камни, снег, шипы, цветы, мох, льдинки, листья, ветки и многие другие. Свои замечательные, но в тоже время хрупкие произведения автор создаёт собственными руками, без помощи каких-либо инструментов. Зачастую для создания мельчайших деталей у Энди уходит несколько дней.

Творения Энди Голдзуорти блестяще подчеркивают гениальность природы. Энди создаёт произведения искусства в Англии, Шотландии, на Северном полюсе, в Японии, австралийской глубинке, в США и во многих других государствах.

В галерее искусств Камбрии в Англии художник представил дебютную выставку, когда ему было всего 24 года. И по сей день для создания различных шедевров автор использует только природные элементы и материалы. Все его работы эксклюзивны. Энди создаёт свои произведения в одном экземпляре, и они имеют губительное для создателя свойство: испаряться, высыхать, таять, тлеть… А так как природные элементы в «полевых» условиях сохраняются очень редко, оценивать творчество Энди можно только рассматривая фотографии в авторских книжках и журналах.

Энди Голдзуорти является выдающимся современным художником (скульптором). Его произведения поражают своей сложностью и красотой. В современном мире есть мало людей, понимающих и любящих природу. Безусловно, Энди можно отнести к этой малочисленной группе. Именно любовь и уважение к природе являются основными факторами, из-за которых Энди Голдзуорти занимается своей неповторимой творческой деятельностью.


Автор текста: Мария Рудь

Психологи говорят: если хочешь прослыть специалистом в какой-то области – критикуй её.

Я за простоту. Если надо донести что-то до публики – будь прям и краток. Это два ключевых звена.

Абстракционисты славятся тем, что транслируют свои идеи посредством символики. То есть, чтобы понять, чего от тебя хотят, нужно углубляться. И не столько в конструкцию скульптуры, сколько в историю, литературу, биографию автора. А иногда и вовсе внутрь себя. Нужно сконцентрироваться на чувствах, которые вызывает у тебя та или иная работа. Только так возможно понять хотя бы примерно, что до тебя хотят донести. Но ни у кого нет на это времени, потому что сегодня человек тратит каждое мгновение, чтобы убежать от самого себя в мир селфи, глупых чекинов и бессмысленных сообщений в соцсетях (уж я-то знаю).

Но абстракционизм не об этом. Он напоминает человеку о тягучести времени и о том, что в наш непростой суетливый век иногда стоит просто остановиться и внимательно рассмотреть странную работу из проволок и шаров.

Потому что глядя на неё, можно наконец остаться наедине с собой. Остановиться – и всё обдумать. Увидеть аллегорию – и прочувствовать её.

Я смотрю на девушку в наушниках, близко сидящую к стене, на которую проецируется светлая картина. Выглядит девушка так, словно является частью экспозиции. Мне ужасно интересно, что же звучит в её наушниках, и вместе с тем смешно от того, как забавно она выглядит, уставившись в странное пиксельное полотно.

Беру наушники – а там шипение. Другие, третьи... И не понимаю.

Я не знаю, что хотел сказать автор, но это шипение дарует какую-то необъяснимую гармонию. А вкупе с проекцией и вовсе ощущение нирваны.

Поэтому снимаю наушники и нахожу в современном искусстве свой смысл. Ведь, с другой стороны, как известно, искусство – это тоже способ познать себя, а искусство абстрактное, на мой взгляд, – и подавно.

Автор текста и фото: Ольга Ходеева

Андрей, есть ли разница между стрит-артом и принятом в обществе понятием – граффити?
Различие, на самом деле, очень простое: стрит-арт – это уличное искусство, которое продаётся. Граффити делается на чистом энтузиазме, то есть человек сам покупает баллончики, разрабатывает эскиз, ищет место, где нарисовать свой рисунок, делает он его очень быстро в связи с тем, что это нелегально.

Ты уже попадался на этом?
Да, было дело. Двое суток провёл в неволе за своё стремление творить. (смеётся)

Можешь перечислить основные сложности, с которыми сталкивается уличный художник (помимо того, что это нелегально)?
Ну, основные сложности стрит-арта – это, скорее всего, заказчики, которые не могут высказать свою мысль. Никогда точно не знаешь, чего они хотят. (смеётся)

От кого поступает больше заказов?
В основном поступают заказы от кафешек, всяческих фирм – преимущественно строительных, но иногда дизайнерских.

Чьими работами в своём направлении ты восхищаешься?
Мой кумир – Покрас Лампас. Его росписи с каллиграфией я всегда узнаю.

Что ты выражаешь в своих рисунках?
Я выражаю свои эмоции, выплёскиваю весь негатив на стену. Также стараюсь привнести в наш город больше красок, сделать его позитивным.

Твоя любимая работа?
В последнее время мне безумно понравилось рисовать гейш. Передавать их красоту, утончённость.

Как ты сам оцениваешь свои работы?
Я достаточно самокритичный человек и, порой, мои работы совершенно мне не нравятся.

На твой взгляд, как в нашей стране относятся к уличному искусству?
Не могу сказать за всю страну. Каждый человек, в силу своего мироощущения, сам выбирает, чем ему восхищаться. Он либо проникается этим искусством, либо просто проходит мимо.

Автор текста: Мария Рудь

Если Вы неравнодушны к современному искусству, а произведения нынешней эпохи заставляют Вас размышлять над тем, что же всё-таки хотел донести своим творческим порывом автор, то вы наверняка слышали и о бурятском скульпторе Даши Намдакове (@dashi_namakov). Его работы для многих неоднозначны, вероятно, оттого притягательны, и можно сказать с полной уверенностью – незамеченными они явно не остаются. Рассматривая детали, можно увлечься, позабыв о времени, но вместе с каждой уделённой искусству минутой, Вы непременно откроете что-то новое для себя.

Творения Даши Намдакова – это уникальное явление в искусстве во всём его территориальном масштабе: не только в локальном – бурятском или российском, но и в целом, мировом. Сегодня скульптуры Даши Намдакова можно увидеть в большинстве крупных музеев Европы, Азии и Америки. Самобытность Намдакова как художника и ювелира в том, что он сумел сохранить национальные традиции Востока, отразив их при этом в совершенно нетривиальном, авангардистском стиле.

Такая сакраментальность во многом связана с происхождением Даши, он родом из бурятского села Укурик Забайкальского края, население которого на 2017 год составляло всего 130 человек. Семья скульптора принадлежит к древнему роду кузнецов-дарханов «дархатэ», из которого выходили лучшие ювелиры, мастера и художники. Только им дозволялось работать с огнём, священным символом избранности.

Отец – Бальжан Намдаков, известный народный мастер – кузнец и художник, занимался написанием буддистских тангк, скульптурой, резьбой по дереву, ткал ковры. Сам же Даши является шестым ребёнком в многодетной семье Намдаковых, состоящей из восьми сестёр и братьев. Полное его имя – Дашинима («Даши Нима»), что в переводе с бурятского языка означает «удачливое солнце».
В произведениях Даши Намдакова отчётливо проступают образы древнего мира. Его работы как будто возрождают забытые, утраченные с техническим прогрессом, простые формы, это органично входит в художественный стиль Даши Намдакова и выражает его индивидуальность.

Подтверждением его оригинальности стало появление знаменитой скульптуры – пантеры «Царица», опубликованной на обложке июньского номера глянцевого журнала VOGUE в Украине. Стоит отметить, что ключевое место в искусстве Даши Намдакова занимает анималистический жанр, именно в нём художник демонстрирует особенности живой природы: «Земля, вода, воздух... Любви к стихиям не научишь. Их надо чувствовать и черпать в них силы», – сказано на официальном сайте Даши Намдакова.

«Скульптура «Царица» – это гимн красоте материнства. Чёрная пантера является символом особенной ярости матери, защищающей своё потомство. Движение гибкого кошачьего тела грациозно, но в сильной мускулатуре, выпущенных когтях грозного зверя застыло предупреждение», – говорится в описании скульптуры.

Автор текста: Кристина Дягилева

С 22 марта по 22 июля в ГМИИ им. А. С. Пушкина (Москва) проходит выставка «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции».

На ней представлены картины Лейденской коллекции Томаса С. Каплана и его супруги Дафны Реканати-Каплан – одного из крупнейших и наиболее значимых частных собраний голландской живописи XVII века. В экспозиции представлены 82 произведения, ни одно из которых ранее не выставлялось в России, – восемьдесят картин и два рисунка. Стоит отметить, что в России будет представлено наибольшее количество работ, чем в других музеях. В Лувре было 30 картин, в Китае – 60–65.

Для Томаса Каплана творчество Рембрандта – настоящая страсть с раннего возраста. «Главное в Рембрандте – это то, что он изменил всё. Он порвал с классической традицией, с самой концепцией того, что такое красота и к чему должны стремиться художники. Он перевернул весь ход истории искусства», – говорит Каплан.

Концепция коллекции развивалась поэтапно, что прослеживается на самой выставке, ведь при помощи картин рассказана целая история. Своё начало она берет с Лейденской школы и первого ученика Рембрандта – Герарда Доу.
Затем речь идёт о других учениках и городах: Амстердаме, картинах художников делфтской школы (Габриель Метсю и Ян Вермеер), а также утрехтской (Герард Терборх). Картины не только являются повествователями истории, благодаря им прослеживается связь между художниками и их влияние друг на друга.

Стоит отметить, что на протяжении долгого времени супруги Каплан предоставляли картины музеям анонимно. «Мы не хотели становиться частью арт-мира. В коллекционировании искусства, на мой взгляд, нет ничего особенно благородного. Я не говорю, что этого надо стыдиться, но в глубине души мы не хотели это афишировать».

С течением времени изменилась и позиция, занимаемая супругами Каплан. Вместе с картинами собиралась информация об этих работах и авторах. В какой-то момент информации стало достаточно для того, чтобы поделиться ею с другими, настал момент выйти из тени.

«Самое важное, что мы можем сделать как коллекционеры, – это делиться искусством с людьми. Мы решили, что дать людям доступ к информации для нас всё-таки важнее, чем сохранять анонимность», – говорит Томас Каплан.

История Томаса Каплана – тот самый случай, когда любовь к искусству побуждает желание поделиться знаниями с другими настолько, насколько это возможно.

Автор текста: Екатерина Никишина